История записи альбома Queen II

Queen II - второй студийный альбом британской рок-группы Queen, выпущенный 8 марта 1974 года. На этом альбоме Queen отошли от блюзово-металлического звучания дебютного альбома и взяли направление на более усложнённый прогрессив-рок. Альбом является концептуальным и делится на две половины - на Белую сторону и на Чёрную сторону. Действие происходит в фэнтезийной стране Rhye. Каждой стороне соответствует своя королева.

В августе 1973 года, через две недели после выпуска дебютного альбома, Queen вернулись в студию и приступили к записи новой пластинки. Теперь Queen могли записываться в основное рабочее время - при записи дебютного альбома Queen вынуждены были записываться в часы, когда студия не была занята другими исполнителями. На запись нового альбома у Queen ушёл всего месяц - это был самый короткий для группы творческий процесс в студии (так, следующий альбом записывался на протяжении трёх месяцев, а альбом Innuendo создавался в течение 21 месяца). Тем не менее, несмотря на такой короткий срок записи, Queen II получился одним из самых сложных и самых новаторских альбомов в дискографии группы.
Несмотря на то, что запись уже была завершена в августе 1973 года, выпуск альбома состоялся только в марте 1974 года: поначалу это было связано со сложной экономической ситуацией в Великобритании, связанной с недостатком нефти, а затем из-за типографской ошибки при печати обложки альбома.

Вместо стороны «A» и стороны «B» виниловой пластинки альбом разделён на Белую и Чёрную стороны. Белая сторона полностью написана Брайаном Мэем (кроме песни The Loser in the End, написанной Роджером Тэйлором), а Чёрную сторону целиком написал Фредди Меркьюри. Он так прокомментировал концепцию альбома: «...она не имеет никакого особого значения. Но мы были очарованы вещами такого типа... одежда, которую мы тогда использовали, описывала это прекрасно...» (англ. ...that was a concept that we developed at the time... it doesn't have any special meaning. But we were fascinated with these types of things... the wardrobe that we used at the time described it perfectly well...). И действительно, одежда членов группы в то время соответствовала этому концепту - они одевались в одежды только чёрного и белого цветов; Меркьюри также красил ногти на левой руке в чёрный цвет, оставляя ногти на правой руке не накрашенными.

Обложка альбома гласит, что Queen не использовали при записи синтезаторы, хотя это не совсем соответствует действительности: в конце песни Seven Seas of Rhye звучит стилофон.

Procession

Альбом открывает инструментальная композиция Procession, являющаяся вариацией похоронного марша. Для создания особого звучания гитар Мэй накладывал записанные гитарные партии одну на другую. При записи он использовал усилитель Deacy Amp, собранный басистом группы Джоном Диконом, который придавал звучанию самодельной гитары Мэя Red Special ещё большую оригинальность. На альбоме трек длится чуть более 1 минуты, после чего переходит в следующий трек с альбома - Father to Son.

Procession открывала концерты Queen со второй половины 1973 года (самая старая известная запись датируется 13 сентября) до 1 мая 1975 года - то есть до последнего концерта тура в поддержку альбома Sheer Heart Attack. Композиция исполнялась не вживую, а игралась в записи. В 1973 году проигрывалась рабочая версия композиции, окончательная альбомная версия на концертах звучать стала только с 1974 года. На ранних концертах композиция, как и на альбоме, переходила в Father to Son, и Мэй начинал играть первые аккорды на гитаре поверх проигрывающейся плёнки. На концертах Sheer Heart Attack Tour'а Procession стала переходить в другую песню - Now I'm Here. Теперь во время последнего аккорда игравшейся в записи Procession Тэйлор стучал по барабанам, после чего уже начинала исполняться Now I'm Here. В последний раз Procession использовалась 7 июня 1977 года на концерте в выставочном центре Эрлз-Корт, Лондон. На этом концерте после неё звучала увертюра к A Day at the Races, также в записи.

Father to Son

Father to Son - более сложная по своей структуре композиция, длящаяся более 6 минут. Является второй по длине песней на альбоме после The March of the Black Queen. Как и в Procession, для придания характерного звучания Мэй использует наложенные друг на друга партии электрогитары, сыгранные с помощью усилителя Deacy Amp; Брайан Мэй играет здесь также на фортепиано, а Джон Дикон - на акустической гитаре. По словам Мэя, песня создавалась под влиянием The Who и Led Zeppelin:

Они, вероятно, где-то там. Я думаю, они нравились, они были нашими любимыми группами, наряду с некоторыми другими. Но тем, что мы пытались сделать что-то отличное от какой-либо из этих групп, в действительности был тот многослойный звук. Смотрите, у The Who был своего рода «лязгающий» гитарный звук, вы знаете, звук вступительного аккорда. Частичка этого есть в Father to Son, но наш звук больше основан на перегруженном гитарном звуке, который мы использовали в основной массе песни. Также, что я хотел сделать, это было занятие по построению текстур за пределами основной мелодии. Так, когда впервые вступает вокал, за ним там есть своего рода оркестровая вещь, которая является девятичастной гитарной вещью, которая была моей экспедицией в своего рода стандартную оркестровку гитары. Это удивительно, сколь немногие люди знали, что мы делаем. Мы хотели сделать такого рода рок-музыку, которая по-прежнему бы имела энергию, скажем, The Who или Led Zeppelin, но в которой было бы больше мелодии, больше гармонии и больше текстуры, чем это делалось раньше. Это была одна из первых песен, в которых мы сделали это и в ней множество гармоний, множество гитарных гармоний и множество кусочков мелодии, знаете.

В песне повествуется о некоем слове, которое в королевской династии передаётся от отца сыну; король, передавая письмо с написанным словом своему маленькому сыну, говорит, что сейчас тот не поймёт смысл этого слова, но обязательно напишет его перед своей смертью. Сначала исполняются первые два куплета в медленном торжественном стиле, затем звучание начинает утяжеляться. Третий куплет исполняется с совершенно другой мелодией и в более резкой манере, затем звучит долгое хеви-металлическое гитарное соло. По завершении соло песня возвращается к медленной мелодии первых куплетов и исполняется последний куплет. Последние строки песни повторяются до бесконечности, песня затихает и плавно переходит в следующий номер с альбома - White Queen (As It Began).

Как и Procession, Father to Son начала звучать на концертах во второй половине 1973 года и исполнялась вплоть до 1975 года - в последний раз со сцены эта песня прозвучала 28 апреля 1975 года в Окаяме, Япония. На концертах текст песни несколько отличался от текста альбомной версии.

White Queen (As It Began)

Связанную воедино группу из трёх треков, начатую Procession и Father to Son, закрывает центральная композиция Белой стороны - White Queen (As It Began). Это вторая (и последняя) на Белой стороне песня, которую поёт Меркьюри.
White Queen повествует о неразделённой любви некоего юноши к Белой королеве. Брайан Мэй написал эту песню приблизительно в 1968 или 1969 году, когда он играл в группе Smile: «Я написал её в колледже, где я вёл относительно беззаботную жизнь, хотя университет в целом имел довольно угрожающим темп. Я читал «Белую богиню» Роберта Грейвса, которая исследовала роль идеализированной Девы/Матери/Королевы, фигуры в искусстве на протяжении столетий, и имя нашей группы, определившееся примерно в то же время, идеально к этому подходило - это было одной из причин, по которым я решил согласиться с этим именем. Личная сторона связана с девушкой (конечно!), которую я видел каждый день в колледже, которая была для меня настоящей богиней. Это невероятно в ретроспективе, но из-за того, что я испытывал перед ней такой страх, за три года мне так и не хватило храбрости подойти и сказать ей это, или просто поговорить с ней. Песня попала на плёнку гораздо позже, на нашем втором альбоме». По утверждению вокалиста Smile Тима Стаффела, Smile никогда не исполняли White Queen.

В альбомной версии Мэй играет на старой дешёвой акустической гитаре «Hairfred», с помощью которой Мэй имитировал звучание ситара, заменив оригинальный струнодержатель на новый из твёрдой древесины, и точив его до тех пор, пока он не стал плоским, и затем положив под него маленький кусочек ладовой проволоки. Струны мягко легли на ладовую проволоку, и это создавало звучание ситара.

На концертах вместо соло на акустической гитаре исполнялось импровизированное соло на фортепиано, переходившее в соло на электрогитаре. Такое исполнение было записано для BBC Radio 1 в Langham One Studio 3 апреля 1974 года для передачи Боба Харриса «Sounds of the Seventies».

White Queen впервые прозвучала на концертах тура в поддержку альбома Queen II в 1974 году и исполнялась до конца концертного тура в поддержку альбома A Day at the Races, закончившегося в июне 1977 года. В последний раз эта песня прозвучала на шоу в Wembley Arena, Лондон, 13 мая 1978 года.

Some Day One Day

Четвёртую песню на Белой стороне - Some Day One Day - поёт сам Брайан Мэй. Это балада, исполняющаяся преимущественно под акустическую ритм-гитару. Как и в Procession и Father to Son, несколько партий электрогитары наложены друг на друга для придания особого многослойного звучания.

Мэй так прокомментировал эту песню: «Some Day One Day родилась из моей печали о том, что отношения, казалось бы, не могут быть безупречными на земле, и я представлял место в вечности, где вещи были бы другими... Акустическая «щекотка» и наложенные гладкие длительные электрогитары были предназначены чтобы написать картину этого мира. Я был по-прежнему в той точке, где люди говорили мне, что ты не сможешь накладывать мои своего рода полностью перегруженные гитары на акустический ритм. Но, конечно, ты можешь». Some Day One Day никогда не исполнялась на концертах.

The Loser in the End

Последней песней на Белой стороне является написанный и исполненный Роджером Тэйлором хард-роковый номер The Loser in the End. Тэйлор поёт эту песню, а также играет в ней на маримбе. The Loser in the End выбивается из фэнтезийного концепта альбома и затрагивает проблему взаимоотношения детей и родителей и призывает их к взаимоуважению. The Loser in the End никогда не исполнялась на концертах.

Ogre Battle

Написанную Фредди Меркьюри Чёрную сторону открывает хеви-металлический номер Ogre Battle, повествующий в форме сказки о великанах-ограх. Ogre Battle открывают необычные звуки, являющиемя воспроизведённым задом наперёд окончанием. Песня примечательна очень тяжёлым звучанием, а характерный звук ударных, в сочетании с характерным гитарным риффом, делает эту песню одним из первых образцов музыки в жанре трэш-метал. Во время гитарного соло Меркьюри издаёт резкие крики, изображая крики огров. Меркьюри написал Ogre Battle на гитаре, о чём рассказал Брайан Мэй:

Фредди также написал Ogre Battle, которая содержит очень тяжёлый металлический гитарный рифф. Странно, что он должен был сделать это. Но когда Фредди брал гитару, он должен был дать ей сильную неистовую энергию. Это было своего рода как очень нервное животное, играющее на гитаре. Он был очень нетерпеливым человеком, и он был очень нетерпеливым со своей техникой. У него не было больших технических способностей играть на гитаре, но у него это было в голове. И ты можешь почувствовать это, рвущееся выйти наружу. Его правая рука могла двигаться невероятно быстро. Он написал много хороших партий для гитары. Многими из них были те, о которых я бы не подумал бы, потому, что они были в странных ключах. У него была склонность играть в ми-бемоль, ля-бемоль и фа. И это не те места, на которые ваша рука обычно падает, когда вы играете на гитаре. Таким образом он заставил меня искать способы делать вещи, которые давали бы необычные звуки. Это было очень хорошо.

На альбоме Ogre Battle переходит в следующий номер - The Fairy Faller's Master-Stroke. Как и Procession и Father to Son, Ogre Battle впервые прозвучала на концертах в 1973 году. На концертах не было возможности играть вступление таким, каким оно было на альбоме, поэтому в начале песни исполнялась минутная импровизация. на концертах Меркьюри не кричал во время гитарного соло. Как и White Queen, Ogre Battle была исключена из постоянного сет-листа после концертного тура в поддержку альбома A Day at the Races, закончившегося в июне 1977 года. В последний раз эта песня прозвучала на концерте в Филадельфии 23 ноября 1977 года во время масштабного американского турне в поддержку альбома News of the World.

Примечательно также что слова из Ogre Battle прозвучали в импровизированной части песни Hangman на концерте в Ливерпуле 17 ноября 1973 года - это самая ранняя известная запись исполнения Hangman.

Queen записали близкое по звучанию к концертной версии исполнение Ogre Battle для передачи Джона Пила «Sounds of the Seventies» в Langham One Studio 3 декабря 1973 года. Плёнка с этой записью была испорчена, поэтому на официальном релизе этой записи на вышедшем в 1989 году альбоме Queen at the Beeb отсутствует вступление.

The Fairy Feller's Master-Stroke

Ogre Battle переходит в The Fairy Feller's Master-Stroke - песню, созданную по одноимённому полотну Ричарда Дадда. Фредди Меркьюри, будучи дизайнером по образованию, очень интересовался живописью. Он увидел эту картину в Галерее Тейт, ему нравился художник и понравилась картина, и Меркьюри решил написать о ней песню: «Я думал, я сделал немало исследований о ней, и это вдохновило меня написать песню о картине. Описывая то, что я думал, я видел на ней». И действительно, песня подробно описывает эту картину.

В The Fairy Feller's Master-Stroke Меркьюри играет на клавесине - он оказался среди студийного оборудования. Меркьюри нравилось играть на нём, и он решил попробовать использовать его в песне. Рой Томас Бейкер, продюсер группы на тот момент, сыграл в этой песне на кастаньетах. На альбоме песня плавно переходит в следующую композицию - Nevermore. На концертах The Fairy Feller's Master-Stroke никогда не исполнялась.

Nevermore

Первую связанную воедино группу песен на Чёрной стороне завершает короткая фортепианная баллада Nevermore. Изначально эта песня называлась Never More. В демо-записи этой песни Меркьюри играл на электропианино, но в альбомной версии он играет на обычном фортепиано. В альбомной версии Neveromore звучат только фортепиано и вокал. В некоторых местах фортепиано издаёт необычные звенящие звуки - для достижения такого эффекта продюсер Робин Кейбл зажимал струны внутри фортепиано, в то время как Меркьюри нажимал на клавиши. Nevermore никогда не исполнялась на концертах, но новая запись песни была сделана для BBC Radio 1 в Langham One Studio 3 апреля 1974 года - эта версия примечательна тем, что в ней, помимо фортепиано, звучат ударные и бас.

The March of the Black Queen

Центральной композицией Чёрной стороны является magnum opus альбома - The March of the Black Queen. Эта длящаяся 6 с половиной минут песня является ярким примером экспериментирования Queen с многократными наложениями вокальных и гитарных партий: в ней группе удалось достигнуть эффекта оперного хора, который впоследствии использовался в другом магнум опусе Queen - Bohemian Rhapsody. В The March of the Black Queen повествуется о жестокой и коварной Чёрной Королеве, которая соблазняет мужчин и забирает их души в ад. Именно после наисания этой песни Меркьюри решил разделить альбом на Белую и Чёрную стороны.

The March of the Black Queen является одной из наиболее сложных композиций в дискографии группы. Композиционно она состоит из 11 частей - каждая со своими уникальными не повторяющимися мелодией и текстом. Лид-вокальные партии почти целиком поёт Меркьюри, но несколько строчек исполняет и Роджер Тэйлор. Песня также примечательна тем, что имеет полиритм - два размера такта, играющихся одновременно - 8/8 и 12/8.

На альбоме The March of the Black Queen заканчивается нотами в восходящей прогрессии и в точке кульминации соединяется со следующей песней, Funny How Love Is: последняя вокальная партия одной песни звучит поверх вступления следующей.

Для BBC-сессии, записанной для BBC Radio 1 в Langham One Studio 3 апреля 1974 года, The March of the Black Queen не перезаписывалась, но был сделан новый микс песни, в котором песня постепенно затихала во время перехода и вступления Funny How Love Is.

Ввиду сложности этой песни для исполнения, на концертах она целиком никогда не звучала. Однако отрывок из песни звучал на концертах как часть попурри из нескольких песен начиная с концертного тура в поддержку альбома Queen II 1974 года и вплоть до окончания тура в поддержку альбома A Night at the Opera в 1976 году - в последний раз со сцены The March of the Black Queen прозвучала 18 сентября 1976 года на концерте а Гайд-Парке, Лондон. На концертах эта песня обретала новое хард-роковое звучание.

Funny How Love Is

Переходящая из Марша Чёрной Королевы Funny How Love Is является полной противоположностью Маршу: это простая поп-песня с текстом о любви в стиле The Beach Boys. Funny How Love Is примечательна использованием стены звука, созданной с помощью акустической гитары и фортепиано. Эта песня никогда не звучала на концертах. По словам Джона Дикона, это «очень студийный трек, и в то время мы чувствовали, что это был тот номер, который мы не смогли бы исполнять на сцене»

Seven Seas of Rhye

Завершает альбом торжественный хард-роковый номер Seven Seas of Rhye. Фредди Меркьюри начал писать эту песню ещё в 1972 году, и короткая рабочая версия была издана на дебютном альбоме Queen. В песне поётся про пришествие мессии.

Альбомная версия Seven Seas of Rhye примечательна тем, что в ней Меркьюри играет фортепианное арпеджио для двух рук - в рабочей версии и на концертах исполняется упрощённая версия этого арпеджио для одной руки. Seven Seas of Rhye кончается исполнением английской народной песни I Do Like to Be Beside the Seaside под стилофон, на котором играет Рой Томас Бейкер. Изначально в записи концовка была другой - песня заканчивалась инструментальной секцией с барабанным проигрышем в конце. Инструментальный микс песни с восстановленной оригинальной концовкой был издан в 2011 году в числе бонус-треков к deluxe-изданию альбома.

Seven Seas of Rhye стал вторым синглом Queen, изданным в Великобритании и первым, попавшим в чарты. Queen выбрали эту песню для выпуска на сингле из-за более короткого вступления: в провале предыдущего сингла, Keep Yourself Alive, Queen винили слишком длинное вступление. Сингл был выпущен 23 февраля 1974 года и впервые появился в чартах 9 марта. Всего сингл продержался в чартах 10 недель, достигнув 10-й строчки. Знаковым событием для Queen стало приглашение на телепередачу Top of the Pops, на которой прозвучала Seven Seas of Rhye.

На концертах Seven Seas of Rhye впервые появилась в 1974 году: тогда песня исполнялась целиком с удлинённой концовкой, схожей с концовкой изначальной версии, во время которой Меркьюри пел новые, отсутствующие в альбомной версии, слова: «Come on let me take you/Come on let me take you/To the Seven Seas of Rhye». В таком виде песня исполнялась на концертах до 1976 года. С 1975 года на концертах она стала звучать всё реже, и в последний раз была исполнена целиком на концерте в Токио 31 марта 1976 года.

В 1984 году, на концертном туре в поддержку альбома The Works, Seven Seas of Rhye вернулась в сет-лист - но теперь песня стала частью попурри, при этом исполнялись только первые два куплета. В таком виде Seven Seas of Rhye звучала вплоть до последнего концерта Queen 9 августа 1986 года в Стивенэйдже, Англия.

Легендарный фотограф Мик Рок вспоминает, как выцветшая голливудская фотография подсказала Queen композицию чёрно-белого снимка, который позже украсил обложку их второго альбома…

«Queen попросили меня о встрече, потому что им понравилось то, что я сделал для Дэвида Боуи и Лу Рида, и особенно для Игги Попа. Первый альбом Queen был оформлен не особенно привлекательно, поэтому они решили, что стоит поэкспериментировать с гламурным Миком Роком – может, что и получится.

Поэтому мы встретились, и они сыграли мне Queen II, и кажется, я сказал: «Ух ты! Ziggy Stardust встречается с Led Zeppelin». Я попал в точку. И они мне доверились.

Фото на обложке Queen II было вторым студийным снимком, который я сделал с ними в феврале 1974 года. Задача была в том, чтобы сделать обложку заявкой на будущее, она должна была показать, что от них можно многого ожидать, ведь на тот момент они ещё не продали ни одной записи. Обложка должна была стать посланием, и поэтому на её наружной стороне нужно была представить черно-белую тему, а внутреннюю сторону оформить по-другому».

Чтобы воплотить эту концепцию я буквально питался их музыкой и самой группой. Они не сомневались, что сделают что-то большое, поэтому я чувствовал, что обязан обеспечить отличное качество. Мне попалось фото Марлен Дитрих за 1932 год, когда она снималась в «Шанхайском экспрессе», и в фотографии было использовано верхнее освещение, которое выделило лицо под капюшоном, скрещенные руки, распростертые пальцы. Я показал Фредди это изображение, и ему оно понравилось. Остальным участникам группы мы представили его уже как основную идею.

В то время группа не понимала, что происходит в студии, ничего не знала об освещении, и я носился вверх и вниз по лестнице, пока они бегали туда-сюда, чтобы посмотреться в зеркало. Пришлось немало повозиться, чтобы они все расположились, как надо. Брайан Мэй притащил вуаль, которую мы надевали ему на голову для некоторых снимков, а Фредди пришлось несколько раз менять положение рук.

Фредди был в восторге. Но были и споры о том, какой снимок должен пойти на обложку — белый или чёрный, который потом и выбрали. Ещё до этого группу однажды обвинили в претенциозности. Конечно, Фредди было на это наплевать, но остальные на этом зациклились, они считали, что чёрный снимок был слишком броским, а они ведь были неизвестной группой, а чёрная обложка выглядела так, будто они уже были знамениты. Но если Фредди чего-то хотел, он мог всех повернуть в свою сторону, и, в конце концов, они согласились. И я знаю – теперь они рады, что так сделали…»

Факты

В альбоме нет традиционных сторон "А" и "В"
Вместо них Queen представили слушателям «Черную» и «Белую» стороны. «Черная» целиком написана Фредди Меркьюри, «Белая» – Брайаном Мэем (кроме трека The Loser in the End, сочиненного Роджером Тейлором). По мнению Фредди, такая концепция не имеет никакого значения. Это было лишь отражением того, как группа одевалась в то время. Фредди не лукавит: действительно, то, что было надето на всех членах группы, было только черного и белого цвета. Эта же идея использовалась Меркьюри и в его маникюре: ногти на левой руке были черными, правые же оставались ненакрашенными.

В основе технической стороны альбома лежит принцип многослойности
Все песни с Queen II состоят из нескольких последовательно наложенных друг на друга слоев (микс из звучащих в разных тональностях хоров, барабанов, гитарных риффов). Идея была заимствована у The Beatles и Джимми Хендрикса. Композиции следуют друг за другом почти без пауз, и альбом воспринимается как единое целое. Это не означает, что нельзя послушать песни по отдельности. Каждая из них представляет собой завершенное и самостоятельное творение, но для лучшего понимании концепции альбома лучше прослушать его полностью и именно в той последовательности, как это было изначально задумано группой.

Queen II вызвал негативную реакцию критиков, однако публика восприняла альбом положительно
По мнению группы, альбом получился свежим и насыщенным эмоциями, однако критики не оценили новое творение Queen. Один из них даже назвал группу «отбросами глэм-рока». С коммерческой стороны это один из наименее успешных альбомов группы, к тому же он считается наименее известным широкой аудитории. И все-таки именно этот альбом вместе с синглом Seven Seas of Rhye принесли группе известность в Великобритании. За неделю до официального релиза альбома в родной стране Queen отправились в самостоятельное турне по студенческим городам Британии. Наряду со славой и успехом это турне принесло группе много неприятностей: зрители устраивали многочисленные беспорядки, были даже раненые.

Сегодня Queen II считается одним из лучших альбомов группы
К сожалению, в 70-е комментарии об альбоме были не самыми лестными. Но спустя десятилетия Queen II был распробован и получил признание. Так, в 2006 году по версии изданий Classic Rock и Metal Hammer этот альбом вошел в список 200 величайших альбомов 70-х, рядом с этим диском было помещено следующее творение группы — Sheer Heart Attack. Также Queen II, наряду с A Night at the Opera, появился в списке «1001 альбом, которые вы должны услышать, прежде чем умереть».

Queen II написан в жанре прогрессив-рока
Если дебютный одноименный альбом Queen был записан в блюзово-металлическом стиле, то во втором альбоме группа ушла от этого звучания и углубилась в прогрессив-рок, который в середине 1970-х переживал эпоху расцвета. Неудивительно, что группа решила поэкспериментировать со своим звучанием и отдала предпочтение популярному в то время направлению. Любовь к экспериментам характерна для Queen.

Мик Рок, после прослушивания второго альбома группы заметивший, что он звучит «как Зигги Стардаст, встретивший Led Zeppelin», незадолго до обращения к нему Queen наткнулся на снимок Марлен Дитрих, где она изображена со скрещенными руками. Меркьюри оценил такую идею. Взяв за основу это фото, фотограф сделал черное и белое изображения группы. Начался спор о том, какой снимок должен быть на лицевой стороне обложки, а какой – на обратной. За белое изображение спереди были Мэй, Тейлор и Дикон, за черное — Рок и Меркьюри. В итоге в качестве передней обложки было использовано чёрное фото. Забавно, что в Венесуэле альбом вышел с белым фото на лицевой стороне.

И все-таки чёрный снимок стал самым узнаваемым изображением Queen. В клипе Bohemian Rhapsody (1975) группа воссоздала его снова, а ровно через 10 лет использовала эту же идею в видео на песню One Vision. Там на первых секундах клипа поначалу появляется заглавный кадр Рапсодии, а затем медленно сменяется изображением в том же стиле, но уже заметно повзрослевшей и изменившейся внешне группы.

Песня Ogre Battle и весь альбом в целом оказали влияние на формирование других музыкальных направлений

Ogre Battle считается одним из прототипов жанров трэш- и спид-метала, которые, кстати, станут популярными только в 80-е. «Многослойный» вокал и фэнтезийные тексты оказали влияние на формирование пауэр-метала.

После первого альбома Queen, который вызвал шквал негатива со стороны критиков, от второго альбома нельзя было ожидать противоположных эмоций. Снова было вылито много грязи, заголовки пестрели нелестными фразами, но все это лишь подстегивало интерес публики к новому явлению на мировой музыкальной сцене. Что ж, это была проба пера, пусть и не однозначно удачная, зато давшая толчок к созданию настоящих шедевров.